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  • VR、Ncam、Simulcam齐上阵!《权游8》重点镜头技术详解

    文/索菲亚·嘟胖正文共计6370字,预计阅读时间16分差不多是在上个月吧,有消息说《权力的游戏》前传《血月》(项目名)已经在北爱尔兰开拍试播集了,一大票刚被第八季拖得伤痕累累的权游迷们好像又燃起了希望的小火苗。既然都说了是前传,那你们喜欢的龙妈雪诺小恶魔自然是不会出现了,至于会不会延续权游的神剧路线呢,目前还不好说。关于《权力的游戏》第八季,我们只分享了概念图和Weta Digital方面的制作解析,感觉还是缺点啥。比如第六集龙妈之死,第5集卓耿的复仇攻击,当时都给观众们留下了相当震撼的视觉感受,用到的制作技术也很厉害呢。So!今天咱们就来分享这两部分的制作解析,没看过也不要紧,影片的片段也都会贴在文章里面的。第6集(第八季最后一集):龙妈之死先来为没有wifi的小伙伴描述一下故事背景。雪诺在铁王座厅遇到了龙妈,两人有的没的聊了几句,在接吻的时候就把龙妈给杀了。卓耿(龙妈的龙)一开始不知道发生了什么事,明白之后自然是伤心悲恸仰天长啸,你以为他会反过来杀死雪诺?nonono...他只是喷火把铁王座给融了,然后带龙妈离开了这个是非之地。这部分的制作涉及到了CG龙、真实/CG火焰元素以及和实拍演员的交互。制作团队先是利用VR来设计表演动作,然后在现场利用虚拟制作技术进行拍摄,最后再来制作非常复杂的CG龙和模拟火焰。接下来咱们详细地说说。VR技术参与规划据《权游》视效制片介绍,这是他们第一次利用VR技术进行规划。The Third Floor团队(下文简称“TTF团队”)根据艺术部门提供的模型创建出了场景,把场景文件导入到实时引擎中,带上专用眼镜,通过VR的激光指示器设备,能够指向场景中的任何一个位置,再点击按钮,就能通过转向来设置相机位置并保存。这样就生成了有关这个场景不同时刻不同角度的迷你相机视图库。非常方便的一点就是,在他们和制作CG龙的Pixomondo团队以及制作铁王座融化的Scanline团队共同协作之前,就已经掌握了很多包括外观、角度和视觉方式的R&D资产。大概就是这么个过程,但是咱们还能说得再细一些。▲利用VR头显查看虚拟相机,类似的图片板可以帮助确定镜头列表、vfx制作、场景设置和拍摄计划。话说,TTF团队的资深实时技术人员在资产组的帮助下,非常快速地完成模型制作,拿到了概念师完成的模型SketchUp文件、视效团队完成的高精度模型、建筑师完成的正视图和置景师完成的手绘草图。召集各方神龙之后,首先要做的就是按照真实世界的比例大小来匹配数字资产。匹配之后,将文件导入到Unreal Engine中,利用Substance Designer创建环境材质,Substance Painter制作定制道具,并在Unreal Engine中开发粒子效果,设置烟雾尘埃这些灯光和大气特效。除此之外,还用到了摄影测量技术来抓取铁王座、王座室内壁画等东西。接着在Unreal中重建了这个场景的初级版本,可以用HTC Vive头显在VR原型“Pathfinder”(译为拓星者,由TTF团队in-house自主研发,用于 Unreal Engine的技术)中查看,利用几小时到几天不等的时间完成整套系统设置,把模型材质灯光调整到一个基础水平,再利用查看工具进行直观操作。▲TTF团队的虚拟相机工具PathfinderPathfinder中的一个主要功能就是模仿真实相机设置的“虚拟镜头”(Virtula Lens),本质上就是一个连接到VR控制器的虚拟屏幕,用户可以在虚拟环境中设计镜头,相机配置可以根据导演或摄影师的要求预先配置,选择镜头就像在屏幕上滑动那么简单。但是VR工具有时不能记录非常复杂的相机运动,所以在某些情况下使用的就是虚拟相机动画,比如王座厅场景使用了差不多100多个虚拟摄像机,确保各个角度都被覆盖到。▲TTF团队制作的Previz单帧利用Simulcam拍摄为了实现人物角色与CG龙的精确交互,在拍摄时用到了Simulcam技术,虽然不是所有场次都用到了这种技术,还是非常值得拿出来和大家分享一下。什么是Simulcam?(来源网络)它能够在摄影机进行拍摄的同时,将CG(电脑图像)制作出的虚拟视觉内容与实拍内容实时呈递出来,帮助电影制作者更加准确和快速地拍摄大量带有VFX视觉特效的镜头。可以看作是“增强实境”技术,和VR(虚拟现实技术)在影视工业中的良好结合应用。最早使用在影片《阿凡达》的拍摄中。由于雪诺和卓耿之间一来一去的互动需要相当精确,和平时相同的是,团队先是来预先设置好卓耿的动画,不同的是这回利用了Simulcam技术。这样就可以利用Ncam(一种实时3D动作跟踪设备,也可以理解是具有“跟踪功能”的混合现实拍摄系统),在拍摄时既能看到相机角度如何随着CG角色的运动而移动,演员也可以参考位置进行表演。▲Ncam(图片来自网络)采用这种技术的方便之处在于,制作团队可以调整/添加角色动作,直接调整动画或重新构图,场景中的所有元素不会产生遮挡。如果按照传统的制作方式,拍摄时没有可以替代龙的东西,就没法准确把控位置角度等关键信息,一旦最后发现没有给CG龙留下足够的空间,或是在合成环节不能准确匹配的话就会很麻烦。如果在拍摄阶段不能真正把握雪诺演员和CG生物之间的关联,二者不能产生很好的互动,就算最后龙的动画和渲染质量再高再厉害也都是白忙乎。该如何让雪诺和CG角色对视的时候视线能对到同一个直线上是至关重要的,高度和位置要刚刚好才行。这就需要有找到合适的方法,把两个角色“放到同一个物理空间中”。▲现场实拍素材在尝试了其他方法之后,他们确定了一种名为“techvis meets simulcam”(技术预览和Simulcam的集合体?)的实时合成方式,只是这里的画面和标准显示器上呈现参考图像略有不同。这种方法不只是简单地利用Ncam系统把CG角色叠加到现场拍摄的环境场景上,还充分利用到了Pixomondo团队制作的CG龙的精确动画,以及TTF团队的技术Layout和测量。▲拍摄现场利用Ncam和UE,将龙的预制动画和现场结合起来进行实时预览他们把Ncam生成的点云和铁王座场景的雷达扫描进行匹配,TTF团队也会使用相同的雷达数据制作CG龙表演的blocking,所以从镜头节奏和镜头关系的角度来说,尺寸大小和场景空间的匹配都是非常精确的。然后Pixomindo按照他们的流程和绑定来完成CG龙的最终动画,拍摄团队把已通过的动画版本导入到MotionBuilder里(把骨骼动画bake到fbx),用于Ncam的现场实时合成。对于现场合成来说,并不需要特别高精度的渲染图像,但是空间位置角度这些信息一定要精确。既然这样在拍摄时演员要看哪个位置才能与CG角色实现最真实的互动呢?这也太不好控制了吧?我们在认真了解了之后,给大家讲讲哈。根据TTF团队的Previz,片方团队在实际场景中制作了细节度超高的铁王座实物模型,在场景地面上做了标记来确定龙的视线扫过的路径。长度确定好了之后,就该确定高度了。他们给模拟视线路径的操作员播放实时合成的CG动画,但操作员看到的是反转画面,这样可以更加直观地判断并匹配高度。通过他和显示器的互动,团队成员只要在监视器画框就能轻松判断高度位置。就是这样,通过地上的标记点,镜像画面以及从监视器里看到的高度,就能在拍摄中准确匹配出龙头也就是雪诺需要注视的位置了。▲最终镜头效果所以话说回来,在拍摄这个序列时,Ncam的作用其实是双重的。第一个作用就是常规功能,在相机中显示重要的CG元素,帮助把控拍摄时镜头节奏;第二个作用是输出的动画给现场拍摄模拟视线方向的操作员以提示。卓耿的出现关于卓耿出现的镜头,制作团队制作了大量的Preivz反复进行讨论,为Pixomondo的动画制作奠定了良好的基础,对于这部分来说,找对卓耿的情绪是非常重要的。他不是像疯牛一般突然闯进来。当时天上飘着雪花,积雪产生了景深,卓耿隐隐约约的出现,好像海市蜃楼一样的感觉,同时还不能打破事情发生的节奏。从卓耿的情绪来说,有80%像是蜥蜴的那种感觉(蜥蜴??),剩下20%就是可以让人了解到的情绪。一开始他出现的时候只知道是不好的事情,具体是什么他还不清楚,所以才会推几下龙妈。观众们可能以为他会杀死雪诺,但是这时只是一个悲伤的时刻,并不是卓耿发泄愤怒的时刻。恩...小声bb了一下故事情绪上的事情,和技术没什么太大的关系。▲卓耿在查看到底发生了什么卓耿喷火从整体上来看,关于卓耿喷火这段,拍摄现场只设置了交互灯光。尽管当时团队也拍了一部分火焰和气体的参考,都没有用到实际制作当中。他们利用运动控制装置和预先设置的龙的动画来驱动火焰喷射器,模拟喷火元素。▲卓耿的愤怒根据故事情节的发展,卓耿刚开始喷火的时候需要镜头一扫而过,节奏是相当快的。在拍摄时用到了Bolt Jr.High-Speed Cinebot装置(这是一种摄影机运动控制系统,也可以浅显地理解为高速拍摄摇臂),毕竟特效火焰移动的速度,要比前几季拍摄时用到的Technodolly设备上火焰喷射器喷发的速度快才行。▲Bolt(图片来自网络) ▲Technodolly(图片来自网络)Bolt装置的虚拟程序是根据TTF团队在原始previz基础上制作的techvis而设计的。然后再通过艺术家们设计出来的大火过后的种种细节,来展示所发生的故事和制作需要的方向和距离。团队从2018年3月份开始着手制作铁王座燃烧这部分镜头,做了很多测试。一开始想让融化过程以连续拍摄素材的方式进行呈现,但是后来发现从镜头剪辑和叙事方式角度来说效果并不好。于是他们最终从头开始模拟每一个镜头的火焰,获取相同的外观和情绪,用VFX流体制作工具Flowline进行了一些开发,最后干脆和houdini结合起来使用。尽管如此,在某段时间中他们就是找不到合适的参考,不得不找了大量钢铁融化的参考,以及在阴天场景里是什么样的,在现场的灯光是什么样的效果来观察。他们以为只需要做3-4个这样的镜头测试,没想到最后测试了14-15个。▲上面两张图和左下图为TTF团队的techviz,在Technodolly的相机中以1/3的比例查看,实时合成了火焰喷射器的效果,右下为Pixomondo的场景合成效果。铁王座燃烧之后需要解决的问题是融化。在花了大量时间之后,团队研究出了20多种铁王座和石头融化的外观,从Pixomondo拿到了和龙相关的动画,对逐个镜头分析处理,确保效果和龙的表演节奏是一致的。解决方法就是以摄像机运动控制系统拍摄的火为主,将素材用2d跟踪的方式放到镜头中,之前拍摄的相机就会转化成镜头的主要相机,不会再换来换去了。Pixomondo拿到火的素材之后,把龙头放在喷火器的位置上,CG元素和实拍产生交互,就可以构成镜头99%的效果了。卓耿带走龙妈这部分呈现的镜头是龙妈躺在地上,卓耿用嘴推了她几下,然后用大爪子带龙妈远走高飞。现场拍摄时特技团队用到了一个被铁丝装置绑住而且具有类似重量和力度的polearm(是长柄武器道具么还是什么),通过对装置的操作可以模拟卓耿推龙妈的动作。▲卓耿准备带龙妈走解决了推的问题,还有一个抱的问题,也就是卓耿爪子该怎样把龙妈抱起来。如果直接从她身下穿过会不会破坏地面?龙妈被抱起时候姿势又是什么样的?脚需不需要也设计一下?似乎有很多问题都需要仔细敲定。他们和Pixomondo共同合作,对龙妈演员进行了身体扫描,确定了想要呈现的效果。龙妈被卓耿非常温和轻柔地抱起,依然保持着她的美丽。这部分不是要突出龙,而是他想要带龙妈逃离这样的场景。又在讲戏了...sorry...光是龙妈之死这一个场景就包括了很多技术点,咱们倒着回顾哈,除此之外,在第5中还有另外一部分给人留下深刻印象,就是是卓耿带着龙妈对攸伦·葛雷乔伊舰队进行复仇攻击的情节。第5集:卓耿的复仇攻击还是先给没有wifi的小伙伴描述一下这段的故事哈。话说,攸伦眼神贼好,瞅了两眼就发现卓耿带着龙妈正冲着舰队方向飞来,赶紧命令其他人发射毒蝎神弩攻击。攻击失败,反倒惹恼卓耿喷火烧毁了他的舰船。于是,激烈的战斗场面开始了。这部分涉及到绿幕实拍演员、大海场景、CG卓耿和一部分实拍的火焰元素。如何把这几部分很好地结合在一起呢?咱们详细地来了解一下。TTF团队都做了哪些工作?这部分从Previz blocking到技术方面的相机,以及对于制作精确角色视线移动镜头所需要的元素,都采用了运动控制和实时Simulcam试图技术。他们要模拟并触发一道移动的视线路径,来匹配攸伦观察远方的眼睛,就算覆盖不到360°,怎么也得有个200°多吧,视线的节奏对于表达龙飞行方向和箭弩转换方向的可信度是非常重要的。镜头拍摄需要通过运动控制装置来完成,摄影总监还希望在此基础上手动操作摄像机来增加镜头混乱的感觉。为了实现这样的效果,他们采用了实时合成预览的simulcam技术,并用Technodolly传输带有场景预制动画的位置数据流,这样就可以根据LED视线的走向实时查看龙的运动路径和船只的爆炸效果。▲Previz和前几季相同的是,TTF团队和特效团队一起来同步拍摄真实火焰和虚拟的龙的表演,同时还使用运动控制和安装在Spydercam悬挂式摄像系统上的火焰喷射器来帮助拍摄火焰爆炸的部分。这部分的Previz和techviz是如何实现的?在制作第五集的时候重新引入了第七季龙妈突袭战利品车队(Loot Train)场景中一些真实的特效元素。用来攻击卓耿的毒蝎神弩也升级换代了,尺寸大小比之前增加了一倍,不仅可以攻击君临城的城墙,还可以攻击各种舰船。在开始之制作Previz之前,团队先要确定这么大的神弩该如何安装到船上,桅杆的移动和船体结构可能都需要作出相应的调整。▲第五集剧照其中第一个非常复杂的镜头就是攸伦站在毒蝎神弩的平台上,看到卓耿击中了其他船只,放弩攻击,卓耿回过头来向平台喷火,把攸伦给炸飞了,大家对这个镜头都有印象哈。看似并不复杂,但想要在突破神弩场景和相机装置之间物理限制的同时,再实现真实的视觉效果却是一个相当大的挑战。因为龙的动画和节奏是非常具体的,在镜头中有确定的时间点,相机操作人员需要非常清楚龙的位置才能创建正确的移动路线和角色视线,以便在拍摄阶段按照正确的时间点完成龙的跟踪。考虑到场景搭建的限制、毒蝎神弩物理移动等各种情况,Previz经历了几个版本的迭代,相机的移动方式和各种运动安排就特别重要。Previz确定之后,团队评估了所有神弩的镜头,不仅确定了平台的高度以及发射神弩时会覆盖的所有角度,还有神弩在平台上所处的最佳位置和绿幕搭建的位置。根据Previz,团队制作出了细致的techviz,包括对于拍摄的要求、关键数据测量和例如模拟轰炸船只的半尺寸爆炸等特效元素。和《权利的游戏8》第五集和第六集相关的技术就先介绍到这里吧,其实还有几张技术示意图,个人理解能力有限就不给大家多解释啦~放上来看看倒是可以的。呐...作为补偿,给大家分享一些《权游》这季的对比图可以吗?对今天的内容还感兴趣吗?别忘了转发给身边的小伙伴哈!
  • 音乐喷泉怎么拍?学好这几招,让夜色喷泉更迷人!

    音乐喷泉在许多城市的夜晚都是一道亮丽的风景。我们该如何用相机留住这美丽的画面呢?用好下面这几招或许会对你有很大帮助。一、慢门拍摄用慢门拍摄喷泉能让水流柔化,变得像雾气一样。为避免相机晃动,拍摄时一定要用三脚架固定相机,同时关闭相机的防抖功能。使用快门线拍摄也能很大程度减轻相机晃动。Photo by Murtaza Saifee from pexels二、使用广角,近距离拍摄我们通常使用大场景来展现喷泉的壮观景色。广角镜头就是非常好的选择。在使用广角镜头拍摄时,尽量不要离喷泉太远,否则很容易将一些多余的元素带入到画面中。而且拍摄角度也不要太低,避免将过多的地面带入画面,平拍或者稍微仰拍得到的效果一般都是不错的。三、注意色彩搭配夜晚的音乐喷泉会有各种各样的颜色,不同的颜色能反映不同的情绪。拍摄时我们要注意观察。无论是拍摄单色彩,还是组合色,最终的整体画面看上去要协调、不杂乱。Photo by Murtaza Saifee from pexels四、适当应用前景拍摄时合理地增加一些前景,可以增加画面的空间感和层次感。Photo by Murtaza Saifee from pexels五、关注喷泉的线条美喷泉的线条一般都整齐柔美、富有节奏感。拍摄多线条比单一的线条会更具感染力。总之,拍摄喷泉需要我们更加细致地观察喷泉的特性,巧妙利用形状、颜色等进行构图,从而得到漂亮的画面。
  • 专访导演马凯 | 恐怖片不是一惊一乍

    青年电影人“我的电影观念”第103期出品:良介文化策划:世界电影节申报服务平台监制:萧十一郎主编:草头青年责编:AMOJOR采访:罗页嘉宾:马凯
  • 从贾樟柯的电影看中国电影学派的建构

    作为民族文化精神的表象,世界各国各民族的电影都呈现出鲜明独特的风格特色。美国电影从骨子里讲求娱乐性,遵循的是商业化的原则,并且不会忘记宣扬美国精神与美国的价值观。欧洲电影则有艺术电影的传统,节奏舒缓而有沉思气质,凝重厚实而富于哲理,现代主义的风格化、表意性与扭曲变形的银幕空间造型,资产阶级的不成熟与软弱等等,都具有耐人寻味的独特性。当然,从全球电影格局来看,还有中国电影、日本电影、印度电影、伊朗电影、韩国电影等多个国家富有自身特色的电影。其中,中国电影是以自己古老悠久的中华美学特征与文化价值观见长,并以强大的包容能力吸收了美国电影、欧洲电影和其他民族电影的所长,正迅速崛起于国际影坛。电影艺术既具有世界性特征,也具有国家意识形态价值,所以,电影就成为一种比其他艺术更能反映一个民族精神的媒介。电影在它发明的第二年就进入中国,而且被中国人称为“西洋影戏” ,与本土古老的皮影“灯影戏”相区别。由于中国电影诞生于中华民族被外犯敌寇蹂躏的上个世纪初期,自然以民族灾难、民族苦难历程、民族斗争与解放的叙述形成国家电影史。这样,中国经常被作为一个明显有别于好莱坞电影与欧洲电影的例证来支持某些特定的电影理论。《定军山》剧照我们再来回顾最近二、三十年中国电影在国外,特别是在欧美地区传播与接受的情况,大致有两类电影较受欢迎。一类是政治符号比较弱的武侠片、功夫片,像李安的《卧虎藏龙》 ,以及李连杰、成龙主演的电影;一类是面向中国历史与现实的带有社会符号意义的第五代、第六代导演的电影。这几年,随着中国对外开放与经济的强劲发展,随着中国电影市场的快速增长与电影生产的多元化格局,中国电影的概念与界定也很繁杂而混乱,“民族电影”“华语电影”“华语语系电影”“跨国中国电影”“合拍华语电影”“华莱坞电影”“第三极电影”“中国电影新力量”等等,不一而足。这一切,都体现了中国电影学派界定、建构,规范并丰富其样式形态与美学特征的紧迫性与重要性。我们应该站在新时代中国电影历史发展的大道上,目光聚焦在一个历史与现实相互交汇、创作与理论相互融通的目标——中国电影学派的建构。这也意味着,我们应努力建构一种思想导向正确,在艺术创作上具有时代性,在价值取向上具有通约性,在商业类型上具有兼容性,在文化精神上具有国际性的主流电影,建构一种具有中国精神、中国价值、中国气概、中国风格的电影话语体系,从而为中国电影艺术创作提供可以互映互动的参照系,为电影艺术理论提供不同以往的阐释维度与评价标准。贾樟柯的电影,恰恰为中国电影学派的界定与建构,提供了很好的文本范式。贾樟柯的作品,是伴随着中国改革开放40年成长起来的,是充分吸收中国百年发展成果与世界电影精华而形成的中国电影,可以说,它是中国电影百年历程特别是改革开放40年发展的缩影与结果,具有中国电影学派典型的生成史特征。它的电影文脉正是来源于中国早期上海电影《一江春水向东流》、《小城之春》和《乌鸦与麻雀》等。《一江春水向东流》、《小城之春》、《乌鸦与麻雀》海报这些民族化特色浓郁的、充满中华忧伤诗意美学的电影,一直在以“潜在文本”的方式影响着贾樟柯的电影发展与走向。同样,如同中国电影从诞生开始就具有国际性的特点,贾樟柯的电影从一开始也是站在意大利现实主义电影、巴赞纪实美学、日本小津安二郎电影等世界电影巨人的肩膀上发展起来的。这些充满现实主义创作精神与人道主义关爱情怀的电影,也是一直以“潜在精神”的力量影响着贾樟柯电影世界的书写方法。《小武》海报实际上,中国电影学派也就是这样生成、发展与成熟起来的。所以,从贾樟柯的电影可以反映出中国电影学派的艺术形态与样式形态:强烈的现实主义创作精神。贾樟柯的电影在中国当代电影史上是一个独特而神奇的存在,他自始至终都在以独特的观察视角、饱满的生命体悟和精致的影像视听语言,为世界电影贡献出独特的中国电影学派样本。他的作品都具备艺术电影的人文精神,电影文学化的传统,细腻饱满的人生经验。浸透着中国的地域特色、故乡印记、风土人情与当下现实。他的电影总是以强烈的现实主义创作精神,“当代人应该讲当代事” ,用自己的镜头和执念试图真实地反映这个世界,与时代同频共振,记录社会、心系中国。因此,他的电影既拥有西方观众能够看得懂的艺术电影的视听语言,又饱含每个当代中国人都心领神会的生活细节和人生感触,是当代中国文化最为集中的典型代表,自然也就成为中国电影学派最具典范性的表意文本。对中国人、中国现实变化充满持久的关注和表达的愿望。贾樟柯的电影有着强烈的中国时代感,他不是面对大人物、大城市、大事件,而是面对普通的中国人,面对小城镇里的小人物。我们从《三峡好人》《世界》这样的电影中,看到的却是那些实实在在的普通中国人在全球大移民与社会大变动中的现实遭遇与艰难选择。所以,通过这些普通小人物的奇遇与故事,可以照见我们每一个观众自己。 《江湖儿女》更是中国近十年时代变化与人心较量的大集合,是贾樟柯自己多种电影情节的艺术整合,构筑成了一个强大的“贾樟柯宇宙” 。贾樟柯电影的独特价值,就在于他用影像小人物的视角记录了中国与中国人在这二十多年中的深刻变化。他总是以一个大的中国社会历史变化或运动作为背景或参照,尽力真实地记录在时代的每一个重要关节口作为普通中国人、城乡边缘人承担这个社会变化的结果。这能够对中国电影学派的建构与发展具有一定的引导与启发作用。中国人日常生活经验与生存状态的真实再现。马克思的科学判断告诉我们:“人的本质是他所有社会关系的总和。 ”贾樟柯的电影,善于把人放在具体而实在的生活中,放在驳杂而琐碎的生活中,去再现人的日常生活状态,展现中国人独特而庸常的生活经验。他善于从“人”的际遇这个视角入手,选择了城乡交叉地带作为表现对象,来折射这整个时代和社会的变化,以一种时间流逝的法则来完成对中国人精神变化的史诗叙事,复原了大时代变迁的轨迹与个体生命在时代浪潮中起伏转折的原貌。他的电影都很好地再现了现实生活本身的混沌、迷蒙和多层语义空间并置的暧昧性,充分显现了贾樟柯调用电影艺术影音媒介进行最具暧昧性与复杂性表意的创作才华,让世人领略到了中国电影的艺术魅力。以现代化的视角对时代和社会进行深层思考。贾樟柯从骨子里就是一个对一切逝去之物充满眷念和诗情的诗人,是一个对弱势者充满同情与悲悯的侠士。他总是以一个知识分子式的导演身份,通过自己独立创作的“作者电影” ,来诉述世界与社会大“江湖”上情与义的故事,总是试图以现代化的视角穿透在不同历史时期、不同时代社会中中国人的内心世界,书写他们面对时代与社会大变动中情与义的变化。这使得他的电影在社会学与哲学的层面上有了更为复杂而多元的阐释空间。它启示我们,中国电影学派在强调国家意志与民族意志等主流叙事、大历史叙事和官方叙事的同时,也要关注普通人的个体感受与独特境遇。中国电影从诞生之时,就深受中国悠久而深厚美学思想影响,更多地指向人生与宇宙的深层关联,更关心个体生命价值的实现,更善于隐喻人生的况味以及表现心灵的幽秘,追求淡而有味,意在境外,虚实相生,追求“发纤秾于简古,寄至味于淡泊”的艺术效果。贾樟柯费穆的《小城之春》以诗意的影像映现出普通中国人在残墙断壁间面对时代大变革的离愁别绪,蔡楚生的《一江春水向东流》将一个家庭的悲欢离合与社会的风雨飘摇交叉剪辑,家庭的离散与国家的颓败、个人的贫苦与社会的凋敝始终弥漫在一江春水之上。这些充满民族情怀与传统美学特征的早期电影,一直影响和感染着中国电影学派,影响和感染着一代又一代的中国电影人。贾樟柯也莫能除外。中国电影学派民族化的美学风格,在贾樟柯的电影中也是举不胜举。总之,更加深入地研究贾樟柯的电影,对于界定和建构中国电影学派,丰富和发展中国电影学派的艺术形态、样式形态与美学特征,极富有实践与启发作用。转自:《中国艺术报》
  • 这部没有打胎撕逼的国产片,还原了我们最真实的青春记忆丨 NEW ERA电影季最佳剧情短片

    今天带来的这部短片,由香港浸会大学电影学院第13届MFA毕业生黄骁鹏导演拍摄,在本届NEW ERA青年电影季主竞赛单元中,获得“最佳剧情短片“的《雨季不再来》。故事发生在一所全寄宿学校。高三学生方又圆,一直默默喜欢着同校的女孩夏晚。但却因为自己内向的性格,不敢表白。眼看着临近高考结束,就要分开。班长李纯所组织的一次毕业汇演恰好给了方又圆与夏晚相处的时间。但就在方又圆准备好了礼物准备告白时,却发现组织该节目的班长李纯以及他的铁哥们韩天对他的感情也并不简单。几个少男少女的关系交错,在大同小异的高考压力面前,经历着大相径庭的青春成长...看完后不得不说的是,这部短片虽然只有短短39分钟,但所给予观众的却是和大多青春片不一样的感觉。据悉,这部的故事灵感是源于导演个人的一些经历改编,加之素人演员都十分年轻,整个故事看起来并不复杂。片子的拍摄是在黄骁鹏的母校,广东外语外贸大学附属外语学校(广外外校)。在观看这部片子时,它之所以能给人眼前一亮,就是在于导演塑造出了校园的真实感和属于青春活力四射的样子。我们都知道就青春片来说,2013年伊始《致青春》的上映,在开始了当代国产青春电影的滥觞之时,也拉开了青春片创作的帷幕。随之一段时间内,类似的青春片几乎占据了中国电影产业的大幕。但因为《致青春》的开始,许多导演在创作时从中所延续过来的升学考试、抱憾别离与注定重逢等叙事元素千篇一律的出现其中,在让观众看到直呼单调得不可思议时,也让人们对其中的真实度有了很大的质疑。试想谁的青春又真的是那样,即便有雷同的地方,但也不是每个人都有着车祸、卑恋、自杀、纵火、撕逼、堕胎、横刀夺爱,这样轰轰烈烈的狗血经历。国人的青春除了营造这些,就空洞地什么也不剩了吗?也是因此,黄骁鹏在看过很多的青春片后,在当中找不到共鸣,所以自那时脑袋里便开始有了想要拍摄一部自己故事的想法。但拍摄这样的故事,与其说缅怀青春,他更多的是想要通过这部片子在去还原他记忆里真实的高中生活时,也借此表达一些在他眼中对于青春期性和情感成长的看法和观点。采访时,当问到在他看来拍摄一部青春片当中最不可或缺的是什么时,他给出了这样的回答:其实没有什么必须的,如果一定要说,那么我认为当中最不可或缺的,就是创作者对人的情感和关系一定要感兴趣,情感是一定要讲的,国产很多讲是讲了,但大多却因为种种限制讲得遮遮掩掩的。而这也是我不想让人把它当做一部类型片去看待的原因,我在拍摄的时候并没有考虑太多的商业元素,只是想要讲好它。也正是因为对于人的情感和关系上的这种敏感,才有了片子共拍摄了九天,但相较于其他在拍摄上的刻意设计,黄骁鹏更多是把精力放在了剧本的打磨和演员的调教上的时候。剧本经过五次大改才定了下来,虽然拍摄时间十分紧张,但为让演员更加真实地表现出更贴近高中生生活状态的感觉,黄骁鹏还是和演员进行了很长时间的剧本围读。值得一提的是,此次戏中的演员除了其中的女二夏晚是导演隔壁系的同学,男二韩天是朋友,男三是副导演亲自上阵,有拍摄的经历以外,其他全部都使用了素人。在演员的选择上,黄骁鹏在采访中也不止一次说,青春片里演员的选择是十分重要的,但拍摄这样的故事时,比起专业演员,他其实更倾向于使用素人。得出这样的结论的原因,第一是觉得素人更好掌控和调教,第二则是认为素人演员,更能够表现出那个年纪人的一些特性。因为懵懂的情绪,其实拥有年龄限制的,过了那个时间段的人,眸子里所闪烁着的,大多就都是人情世故了。而处于学生时代的人,其实并不需要太多的世事通明。我们都是从那个年纪过来的,所以都知道在那个年纪的人们身上有叛逆固执,却也有许多已经踏入社会的成年人对梦想、对所爱之人、所执着之事再不曾有的热血和不顾一切。这是独属于这个年纪最珍贵的东西。也是黄骁鹏拍摄《雨季不再来》想要去挖掘和呈现的。除此之外,给主角起名为片名困扰,《雨季不再来》也是他拍摄的几部作品里,最认真的一次。片中男主角的名字方又圆最初的名字是叫方方,但为契合这个故事中主人公,夹在两个女生和一个男生之间的感情,方加上圆再与故事结合起来,就感觉十分能够呼应他这种模棱两可的人物性格。剧本敲定后,一开始的片名是叫《三人行》的,改为《雨季不再来》则是因为后来在和导师沟通过程中,大家都觉得这个名字太过缺乏创意,与这段记忆似乎也不够贴切。就在他陷入该取什么名字的困扰的时候,转身书架上的一本三毛的《雨季不再来》正好进入了他的视线里给了他灵感。“当我出门的时候,我会穿着那双清洁干燥的黄球鞋,踏上一条充满日光的大道,那时候,我会说,看这阳光,雨季不再来。”这是三毛写在书里的一段话,在黄骁鹏看来,也是年少最好的解读。这段懵懂的岁月值得被去深刻纪念,这段闪着光的记忆,也值得每次被想起时,都是充溢着美好的。《雨季不再来》之所以能够在加入了导演私心的基础上,还能给予观众极大的共情,就是来源于它还原了的不仅仅是导演记忆里真实的高中生活,更多的是每一个人都经历过的梦最好的样子。向来一场美梦在醒来时,都让人感到无比的沮丧残酷,这是青春期里的我们在面对长大时的最难过之处,但接受长大却不一定要丢失单纯,向前进变成大人的路上,这段少年时光始终都应该以它最干净的样子出现在每个人的记忆里。
  • 资深调色师曲思义:《影》是完成度最高的一部

    对于一部电影来说,调色是锦上添花的部分,整部电影的美术设计、摄影、前期的灯光、道具等都为整个画面所最终呈现的效果起了重要的主导作用。盘点2018年的华语影片,《影》无疑是最受瞩目的一部,黑白水墨的色调更是成为影片的一大亮点。 一直以来,张艺谋导演都很注重影片的用色,《影》对色彩的追求更是达到了他有史以来的最高水平,而这也少不了幕后调色团队的努力。此次,作为该片的调色指导,与张艺谋合作近10年的业内资深调色师曲思义就分享了《影》的调色过程和自己从业31年以来的经验。《影》不是黑白片 它比黑白片难度高很多去年初,调色指导曲思义在拿到《影》的成片后就先调了第一个版本,但对结果并不满意。于是,他与张艺谋导演以及摄影指导赵小丁一起讨论确定了几个大方向:一是,这不是黑白片,要消色,但画面不能是黑白,在消色的过程中整体要偏向一点蓝,尤于(DCI数字放映)白点的问题,会让画面偏到黄绿会显脏,所以更要特别加强蓝;其次,人脸的肤色保留,但保留多少,得看画面决定,一方面是给单调的影片一个色彩,另一方面是配合导演叙事强调了“人”这个中心;最后,所有的外景保留少许的绿色,一样是依画面整体感觉为准。虽然定好了基调,但是正式调整的时候才发现比正常或黑白片难度高很多,尤其是肤色要保留多少,外景的绿色要保留多少,基调颜色的统一更是复杂。从调色的角度,《影》一共可以分为5个场景:大殿、山洞、竹筏大战、外景和境州回家。大殿是最单纯的景,也是最经典的水墨画的景。因为是内景,条件好控制,人物背景在拍摄前期就调整的非常水墨画了,所以在调的过程中,除了之前提到的几个重点之外,主要还是大殿环境跟屏风之间的对比跟景深做一些窗口来加强,和人物脸上的对比加强。山洞这场戏最重要的就是要“黑”,所以在调的过程中加了无数个窗口跟踪,为的就是营造出“暗”的环境。竹筏大战这场戏属于外景戏,但在棚拍的,所以在光的控制上很正常,就是整场特效,主要是匹配前后景的关系,还有一个重点是竹筏上的颜色跟肤色属同一色系,摄影指导要求竹筏的颜色要比较淡,所以花了很多时间在处理竹筏的颜色。其实外景又能分几场,大殿外,城里大战,竹林,和各别的不同外景,外景最主要的是多保留了绿,我个人特别喜欢大殿外的几组镜头,有山有水,景深设计得非常完美。最后一部分,“境州”回家这场戏是一个日拍夜的戏,处理上不乏几十个窗口跟踪,但日拍夜的戏,最主要的还是拍摄时的条件,这场戏拍的时间就是清晨与傍晚,所以没有特别需要处理的反光跟影子,所以相对来说,简单多了。只有邓超推门进家的那个镜头,很明显外面是白天,做了复杂处理,其他镜头都只是加窗口就能处理的很好了。从事调色三十余年 《影》是完成度最高的一部在曲思义31年的调色生涯中,负责调色的电影超百部,MV、广告超过2000支,代表作包括《影》、《鬼吹灯之寻龙诀》、《赛德克巴莱》、《金陵十三钗》、《不能说的秘密》、《海角七 号》、《盛夏光年》、《奇门遁甲》等。提及近10年来与张艺谋合作的感受,曲思义表示“张艺谋导演对于电影调色的要求非常明确,每个影片最关键的点是什么,他就要求必须要做到那个点。比如《山楂树之恋》中的柿子代表了特别意义,它的光影一定要对;《金陵十三钗》中教堂玻璃的颜色和反光。这次在《影》中化繁为简,以黑白灰为主。调色没有完美的,但这一次,我觉得是完成度最高的。”谈到调色行业的现状,曲思义称:“我从1987年开始入行,见证了调色这个行业的巨大转变。从胶片到数字,从人员稀少的配光师到现在人人都是调色师。科技的发展,设备的革新推动着整个行业的进步。未来,我们也希望有更多的年轻人加入到调色这个行业,我们也会通过做一些教育方面的尝试和探索,办更多的同行分享会,承担起更多的社会责任。因为我在这个行业已经够久了,可以说久到要退休了,但如果在退休前没有把我的经验交出去,那就算我有通天的本事也跟没有一样,因为没人知道你会什么,这辈子有什么意义呢?如果能教出去,哪怕只有一个技巧是大家不会的,能留下来,都是值得的。”---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Color Palette是以电影画面为主的影视制作公司。主要业务覆盖了数字中间片、数字影像技术和电影流程设计。提供高端电影流程完成片服务及对相关专业人员提供深度培训。VX关注:cpoofilm了解更多详情~二维码请戳:
  • 《独孤九吸 》剪辑技巧分享 - 巧用轴线

    正 片 文丨平坦 转载请署名 很荣幸与导演拍了这部片子,9 条片,24 小时连轴,打完收工,如今回想 shooting day,还是满满的震惊。 作为本片的副导,后期导演,今天想在这里献丑,分享一下片子的一些剪辑技巧,就拿相对最难的《持久吸》(2 分 08 秒- 2 分 33 秒)来举例。 创意阶段: 持久吸这条,对应吸尘器“吸力大,持久”两个功能点,但要在 25 秒内将功能点完全阐述清楚,且不加字幕和对白,这就很棘手。思考下,与导演达成一致:要想直观和有“看点”的展示此两点,【对战】是最好的选择,毕竟“一顿操作猛如虎,孰优孰劣很清楚”。 实拍阶段: 首先遇到的问题是,两个人对战,一敌一我,该怎么区分?导演先用黑白衣服,不同发饰,将两人做了视觉区分。武行张猛老师也给两人的动作做了区分,拿着我方产品象征纯洁的“白衣大侠”动作优美舒展,而象征友商产品的男生则选取了视觉上相对瘦弱的演员老师来呈现,且武术动作设计的内敛含蓄。这样从视觉上就很容易让观众建立“孰优孰劣”的观感了。 剪辑阶段: 要想在25 秒内完成“三次比拼”,势必要加快剪辑速度, 但还要兼顾“回合感”,不能一股脑流水账就切完了,那观众一定懵逼。那么,终极问题来了,如何才能在快剪下还让观众清晰的分清敌我产品,与孰优孰劣呢?大家可以先不往下看,思考一下。 答案是:轴线。 小轴线,解决大问题。 其实大家一点都不陌生,但很多导演往往会忽视轴线。到底轴线如何解决分辨敌我的问题呢,其实你想想,我们平时看战争戏,如何分清敌我的,再举个例子,大家看足球和篮球比赛,为什么不蒙圈呢?——轴线是不轻易改变的!假如足球转播中全景机位突然跳到对面再拍,观众一定懵逼到底是谁在攻谁,这就是轴线。 具体来说,“两军对战”类的戏里,无非就两个轴线,“横向,和纵向”其实就是【十字轴线】,而且,一般情况下,我们的视觉惯性会认为,横向轴线时,左好右坏,纵向轴线时,近好远坏。具体片例因为篇幅问题,大家自己找。 说回持久吸:第一镜是我方出场,这里遵循第一印象就是好人的观影心理。第二镜是敌方出场,这两镜是纵向轴线。第三镜就突然跳成大全,左右轴线亮相,至此,十字轴线全部亮出,可以随便玩了。且也解构出对战的空间位置和桌面信息,这里重点说明一下,景别越大,亮出的时间就要越长,得让观众在全景里没什么可找了,再切刀。第四镜,插入型镜头,大全接大特,电影语言。香灰掉落,有风吹草动之感,,故而敌动我动。第五镜组,纵向轴线+横向轴线,此刻观众已经知道左为我右为敌,剪辑上也是连续两镜,观众不难理解。于是我方亮出产品,第一次跳剪吸完面粉,观众很清楚。这里要注意,镜头选取的是带有纵深感,好看的画面(俯拍的也有备拍),听觉上,我方吸尘器声音清脆高频有劲儿。第六组镜,依然是纵向轴线+横向轴线,纵轴上,敌方是带关系的,为什么,因为一来要遮挡友商产品,第二,从视觉上让人感受到敌方被我们挤压碾压,横轴上,敌方吸尘选取的是无纵深的正扣机位,给观众“添堵”。听觉方面,敏锐的作曲邵航老师抓住机会,给友商机器加上类似“摩托车马达”的音效,一本正经的暗度陈仓。 直到现在,所有轴线都出现且强化多次了,你只要不越过轴线,恭喜你,想怎么切就怎么切吧,没人会乱的。 我们可以随心所欲用表演说客户诉求了。 因为单位时间切镜很快,你发现表演夸张反而是符号性的对的选择观众不会不会出戏,(拍摄时特意让演员做了 1 到 10 级层次的“糟了”表情)。 这里要强调的一点技巧是,要刻意的在一组快剪后,停下,重新强调大全横轴,这样观众才会有所喘息,对空间重新认识,并营造了回合感。 好了,现在诉求也完了,一定要见好就收,留有余味,所以,你看敌方已经不见,桌面空空如也,景别完全打开,声音清脆凌冽,完美的收尾,高高的逼格,我相信有大多数人还会重新看一遍的,这,是剪辑师偷乐的时刻。 时间和篇幅原因,不予赘述,希望对大家有用,KEEP ROLLING.
  • 原来 Vlog 还可以这样玩?浅谈 Vlog 的开放性思维和前期策划

    江湖规矩,先看片,后说话。大韩民国 Vlog | 杰西传奇:吃鸡少女的魔性之旅△ 拍摄器材3 台 iPhone (5s / 6 / 7p)MK10 手机脚架2 个移动充看完了,大家也许会问:这真的是只用手机拍的吗? 对,真的只用手机拍的。但手机并非难题,而我觉得自己在摄影方面做得也不好,技术问题也不是本节分享我想说的,接下来我想问大家一个问题:你觉得这是一条 Vlog 吗?每个人有每个人的答案,而我的回答是 —— 这是一条 Vlog。持相反观点的小伙伴可能会有各自反对的理由,那在我说「前期策划」之前,不妨我们先聊一下「Vlog是什么」的话题。因为这点真的很重要,当然接下来的话都是主观认识,无关对错,望各位取其精华,去其槽粕。01 什么是 Vlog定义事物就像一个画框的过程,框本身的大小会限制我们的视野与想法,而所有的方法论也只能在仅限的范围里谈论。所以在回答怎么拍 Vlog 之前,也许要再探讨一下 Vlog 的可能性。在风口接一个风口的互联网时代,Vlog 算是一件新鲜事物,但感觉又像是被快速催熟的果实。新鲜义为诞生不久,催熟表现在它似乎已被定性为一种形式上 A-Roll 为主(博客直接与观众交流互动,主要以面对镜头的方式说话),B-Roll 为辅(人文风光的一些散镜作为过渡),内容上分享播客生活的影视作品。「视频博客」无疑是等于对生活、感受与想法的表现与记录,但形式上是否局限于 A-Roll 与 B-Roll 的穿插互补,这个我持开放性的态度。因为大家在谈及 A-Roll 为主这点时候,本质上是从【真实】与【日常】两个层面来考虑的,【真实】即播客与观众打破第四面墙的直接互动,表演成分少,长镜头记录等;【日常】说白就是操作相对简单,相对策划型的创作来说可以量化生产。但难道一个全程没直接看镜头的、经过周全策划并且不是日更或周更的视频博客,就不是 Vlog 了吗?举个不太恰当但易于理解的例子,一个外向的人跟你亲近,跟你述说他的一切不是因为他真实,而是因为他外向,而一个内向的人把自己反锁在家里过自己的小世界,你不了解他的一切,觉得他高冷,但不代表他就不是一个鲜活的人了,他也是真实的,只是那种真实没那么亲切罢了。所以,定义 Vlog,我觉得如今都为时尚早。他是记录生活、感受与思想,但形式绝对不仅是 A-Roll 与 B-Roll 的穿插互补。但有一点可以肯定的是,它必须是【真实】与【日常】的,线上我看你是这样子的,线下接触也会是这样子的;线下你住不了五星级酒店,线上就没必要逞强去表现。私以为接受了上述的前提,Vlog 未来可能性的大门才会被打开......任何变革都不能一蹴而就,有时候步子迈太大会受伤,但从形式上渗透会是一种取巧的办法,千万不要给 AB-Roll 限制了你的创新。在你我生活都不比别人的随手一拍精彩的时候,更需要从形式和创意上面多花心思。而且说不定形式上的创新会反补到内容的创新,那时候才会是 Vlog 百花齐放百家争鸣的一天。02一条好的 Vlog以我的第一条 Vlog《杰西传奇》为例,谈一下自己的创作想法,但不具备普适性,仅供参考。在知道「怎么拍好」之前,先要知道「什么是好」,在我看来,一条好的 Vlog 至少要具备以下三个条件之一:有用,有趣,有共鸣【有用】简单说就是干货类,这种 Vlog 屡见不鲜,往往也能最快吸粉,比如分享影视干货、美妆知识和探店做菜等,反正能让你学到知识本领或拓展你认知范围的均属这一领域;【有趣】可以分为内容上有趣或者形式上有趣,内容是指播客的生活本身有趣,比如被捧上天的油管红人 Casey Neistat,他的生活态度和生活经历本来就与普通人很不一样,自然玩法也很多种;而形式上是指制作层面的独具匠心了,例如策划编排别具匠心,故事讲得特别溜;拍摄手法新奇百出,什么无缝转场天旋地转;后期无数个通宵,把一堆苟延残喘的素材拼接得回光返照等等......呃,反正不要被贫穷限制了想象力。而假如你有钱,更加不应该没想象力。【有共鸣】比较玄学,但也是最具「杀伤力」的,有句话说得好,研究作品不如研究人,如果别人能从你的作品看到了自己的生活痕迹和所思所想,或者你把一些潜藏在他心底里的朦胧幻想与梦牵引了出来,那你的作品某种程度上来说,也是他自己的作品了。谁都有被影视作品打动的经历,好好回忆一下那种感受。而我的第一条 Vlog《杰西传奇》,自认为是做到了有趣与有共鸣的。下面我会以这两点出发,简单讲述一下前期策划的心得。03只谈策划,不谈风月对于《杰西传奇》的评价,大半以上的留言都是说「剪辑炫酷」「后期好棒」「跪求 BGM 」「别人家的 iPhone 系列」等。说实话,这类赞赏我看上去并没什么触动,反而是「充满魔性」、「脑洞很大」、「粗犷的精致」这类型评价,令我比较欣慰。因为剪辑、BGM 神马的都是后期的事,它掌控不了大局,也决定不了片子的方向,但前期的策划可以。这些魔性脑洞与粗犷的精致,在前期策划时候已经大抵在我脑海中打下了烙印。假如没有前期精心的策划,后期就算怎么搭救,片子也只可能是无本之木,下面介绍一下自己前期策划的创作手记。 • 预设主题 •片子要有主题,只要不是偏激的、煽动情绪或者违法的价值判断,都能作为你片子的主题。主题一方面是你片子的精神支柱,是所有东西的承载。你可以不往深去挖,但这是你个人形象输出的最关键一环,也是你区别于他人最本质的一点。很多流水账的片子不是因为他们记录方式冗长而无重点,而是他们缺乏主题,假如纯粹一镜到底地对着镜头说话,但你发表的是你的态度与观点,那也是有主题的片子。但这里我建议(纯粹个人偏好),主题切忌多而杂,一部片尽量一个主题就好,不然难以深入,走马观光到处蜻蜓点水难免会得浮躁,而且也容易将你要说的东西过早摊薄掉。《杰西传奇》的主题是人应该抛离社会的世俗偏见,遵循自身的自由意志。当然你也可以是很简单的主题,比如「某某网红店的冰激凌真的是全广州最难吃的」,这也可以是你的主题,这无分好坏与高低,只要是可以传播的价值判断。确定了主题之后,就可以视主题而架构你片子的结构了,要将「主题」落地,放在结构里的每一处角落,最终是为了论证或完善或颠覆你的价值判断。好看的皮囊千篇一律,片子的结构大抵离不开起承转合或总分总等,但有趣的灵魂万里挑一,怎样做到有趣这真的不能一概而论,关乎你个人的品味喜好和能力素养。这样一句话带过看似很不负责任,但这也正是创作最私密的部分,如果说主题是一种欲望,但这部分就是用你毕生的经验在将这种欲望具象出一张蓝图,这个过程你是给自己提出问题也是跟自己在对话,你会越来越清晰你想说的是什么和你想要的是什么。《杰西传奇》的主题看似很「大」,但落地却很「俗」。首先把大主题再细化(即说人话),世俗偏见是啥?—— 世俗的审美标准,拜金消费主义;自由意识是啥?—— 老娘就想拼命吃,不减肥不整容。于是怎么去表现?调味炸鸡和原味炸鸡,美女和杰西,在这里头似乎找到那么一点联系?然后抓着联系不放,以这个最原始的点去发散。将任何看似没强联系的东西通过一种蒙太奇思维绑起来,最后讲出一个带有起承转合的故事。要声明一点,策划归策划,片子里头的人物表演和性情都是本色出演,所以它是真实的。而恰好这种被细化落地之后的主题也是接近观众生活,他们多多少少也能引起共鸣,感动自己也要感动别人。以上介绍给大家的思路是:主题「先行」。「先行」是一个出发点,不代表出发之后就一定是论证的过程,记录不是伪记录,策划是描绘你的一张地图,跟着地图走不代表就不是探险,路途发生什么我们尊重事实就好了,到达终点时候也许最终既定论点会被推翻,也许旅途中途会发生意外拦腰折断,但往往这就是生活本身。 • 勘景踩点 •这点是很多人忽略的,但我个人觉得很有必要。当然踩点不是叫你实地考察一遍,这不现实而且很刻意,但你可以用其它办法先大概预览一下拍摄的场景,比如网络。因为场景除了好看之外,更重要是它是情感的依托。有些动作只能在这样的地方做才有那种味道。而且提前知道你所要到的地方大概是怎样的环境,对于你现场的调度和拍摄也有一个大概的预期。如果说结构是片子在时间上的凝缩,那场景便是空间上的延展,所以不要忽略你片子里出现的每一个场景。事前做到心中有场景,才能有的放矢 —— 在哪里该做什么事情,该说什么话,发生什么故事。最后按照拍摄需求,做出高效的行程规划和路线方案。《杰西传奇》的「踩点」是在各大旅游网站上面进行的,结合搜索的景点图片来策划杰西在相应地点的表情与动作,所以才能在旅行时定时定点地完成拍摄方案。 • 脚本撰写 •前面两步完成之后,就可以撰写一个拍摄脚本。上面有每天要去的地点和每天要拍摄的镜头,甚至细化到每个镜头的表演,当然有些镜头是硬性要拍的,有些就可遇不可求。比如说,我知道我要去济州岛,有一些宏伟的延时我必须要拍,而且根据先前预览的场景图片我知道我也肯定可以拍到,又比如我知道韩国的国旗我必须要拍,而国旗要拍出怎样的感觉?因为之前我对内容和调性有了明确的需求,所以我最好要拍到有气势的飘扬的国旗,所以... △ 凌晨刚达韩国,在等候机场大巴的空隙,顶着零下的寒风,我拍下了还算满意的国旗另外脚本不需要累赘冗长,格式因人而异,只要简练并且自己看懂就行。因为在外面跑时候没那么多时间给我们看密密麻麻的字。当初我就是随身带着脚本,生怕一些必要镜头拍漏了,每晚回酒店都要检查。假如当天有一些必要镜头因为各种原因没拍到,我会当晚睡觉前调整策略,力求在明天的行程补回。而半天一天周期的 VLOG 也是同理的,脚本不是一个煞有介事的存在,只是一个辅助创作的媒介,正所谓好功夫不如烂笔头,谁都不可能做到忙而不乱,更何况在高密度创作的状态下。• 其它技术层面的准备 •具体参考其他专业人士的答案,我就不作详述,但不说不代表不重要。比如我拍《杰西传奇》之前知道我只有手机,那我会提前做好以下的准备:1. 购置三脚架配件;2. 学习 iCloud 的使用,在旅行过程中及时备份素材;3. 手机安装并学习 FiLMic Pro 和 Lapse it 两款 Apps,以至于扩展并强化手机摄像和延时拍摄的功能...反正知道自己在干嘛什么重要,但我强调的是让器材为我所用,而不是背着一堆器材出门刷安全感。所以不要被器材限制了想象力和行动力,不要做键盘摄影师。 04总结以上就是这次分享的主要内容,回过头看感觉并没什么直接的「干货」?也没有直接告诉你如何把自己的 VLOG 做得有用、有趣或者有共鸣。但私以为道比术更重要,出师前的谋篇布局比具体一两个转场要更重要,运筹帷幄之中才能决胜千里之外。但也许你会觉得这样做 VLOG 太累,太功利化。也许你只是想轻松地记录个人生活,不需要带着这么多沉重的包袱。当然任何行为都是允许的,说白了 VLOG 是自己的事情,每个人有自己的自由意志和选择,因为不管你做不做策划或者不管你做的是什么选题和主题,假如你坚持记录,纯粹就让时间成为你的命题,一年之后蓦然回首,你发现自己记录的也算是一段小历史。但要想深刻,那就要深入。而有时候过于「功利化」也不见得而忽略了体验,就拿这次韩国的 VLOG 来说,相对于个人内心世界的探寻,我比较少关注身边的事物,但这次因为拍摄附带了强动机和强策划,让我加强了对周围细节的关注,一路上我的感官变得更加警惕和敏锐了,反而令我看到和听见了日常不会注意的东西,那是一次全新的体验。说不上脱胎换骨,但算是在创作过程中找寻的一种感觉,确实也需要这样的一种感觉。要做生活的目击者,不要在生活中寻找你要的东西,而是努力感受生活中到底发生了什么。不是有个既定的态度让然后去发掘论据,而是要尊重事实。用事实判断而非态度判断。生活是复杂的,要关注复杂并且表现复杂。以上,共勉。最后下一个定义:策划是让片子的 60% 在你脑海中成型 ,另外的 40% ,是属于命运的惊喜或惊吓(当然这个比例我也没做过研究与量化,因人而异)。 △ 这个画面完全就是惊喜
  • 20年前,处于黄金时代的香港电影是如何走下神坛的?

    上世纪90年代末到2000年初,香港流行音乐以及电影以盗版光碟的形式,进入内地,并对一批80、90后产生深远影响。盗版的泛滥离不开影碟机的出现。1993年,世界上第一台VCD视盘机(影碟机)诞生在中国内地,此后,VCD机在内地的销量持续攀高,到1997年,年销量已增至1000万台。当然,习惯了在碟厅消费电影的内地观众,完全无法意识到,盗版的泛滥,也在多年后,成为了助推香港电影走向衰落的原因之一。但也正是得益于盗版的传播,李小龙、张国荣、梅兰芳、周润发、梁朝伟、周星驰、钟楚红、张曼玉、刘嘉玲…...在内地红到发紫,现在的人可能无法想象,香港是如何在短短的二三十年间,发现并培养出了如此多优秀的电影人。刺猬公社 | 铁林没有谁能完全代表香港电影,香港电影是群像,有侠客,有警匪,有香车美人,也有市井小民。人们记忆里的香港电影是警匪黑帮,是旺角,是维多利亚港,是反复出现的街角城市。这一切的源头,要追溯到1909年。那年,香港出现了第一部在本土拍摄的电影《偷烧鸭》,剧情很简单:又黑又瘦的小偷,盗了一个胖子的烧鸭,被警察抓个正着。这是当时典型的美式喜剧套路。据记载,影片导演梁少坡在拍完《偷烧鸭》后,就迅速北上抵达上海,继续学习电影。此后的几十年间,香港电影一直缓慢发展,并持续接受来自欧美、日本、上海等地域的影响,在各种文化的交锋之中,香港电影一直在探索自身的定位。一直到1958年,后半生在内地盖楼无数的邵逸夫从新加坡回到香港,成立“邵氏兄弟(香港)有限公司”,正式开始他在香港的电影事业。从他开始,香港电影,终于进入了疾速迈步的时代。港味记忆1988年,《旺角卡门》。旺角两居民楼逼仄的巷道中间,小弟乌蝇(张学友饰)对着旺角混混阿杰(刘德华饰)说,我乌蝇宁愿做一日英雄,都不想一辈子做条虫。2002年,《无间道》。香港四方商业大厦楼顶天台,刘建明(刘德华饰演)对着警方卧底陈永仁(梁朝伟饰演)说:我想做一个好人。大部分时候,港式警匪片属于街道和巷子,人们在巷道中穿梭生活。这里什么都有,但唯独没有人类足够的生存空间,道路狭窄,楼宇密集,庆幸这里没有冬天,厚重与不便不适合这个节奏飞快的城市。《无间道》要展现开阔的空间,只能选择往上走,这在港片里是极其少见的,导演刘伟强刻意放大了空间与空间之间的对比,天台属于一些虚妄的念想,注定无法落地,刘建明永远不可能获得重构身份的机会。香港的繁华和明亮,体现在无数的购物商场,以及夜晚大片色彩斑斓的灯光里。受过港片影响的游客,注意力往往不在购买,他们追寻着港片里每一个意味深长的地标,只为了寻找到记忆里那个挥之不去的画面。比如《胭脂扣》(梅艳芳、张国荣主演,1987年)里的水池巷,《重庆森林》(林青霞、金城武等主演,1994年)里的重庆大厦,《最佳拍档》(许冠杰等主演,1982年)里的皇后码头,每一部在本土拍摄的经典电影,都会为香港留下一个时代景观。第一次去香港的游客可能常常会感到惊讶,在香港,任意走动就可能误打误撞记忆中某部电影的取景地。“香港是效率很高的一个城市。一天24小时,你什么时候要吃什么东西,随时都可以买得到。因此香港酒店餐厅的生意都很差的。因为只要你走到街上,从最便宜到最贵,不知道为什么都有24小时的。香港就是这样。”《窃听风云》导演庄文强解释什么是独特的“港味”电影,“香港又是一个那么挤的地方,所有的街道都是很窄的,行人道很窄,人跟人很容易碰撞,人跟人很容易摩擦,很容易对抗。广东话又是很高速度,大家讲话都劈里啪啦好快的。那种节奏感是独有的。所以有一段时间我们的前辈拍出了很优秀的电影,那个电影结合了香港实体的语言,文化的语言,在他的电影语言里,然后形成那一种就叫我称之为‘港味’的东西了。”1997年之前,内地居民赴港旅游需要办理繁琐的手续。那个阶段的香港,还未揭开神秘的面纱,内地居民依赖电影,拼凑出了维多利亚港口、中环、尖沙咀的模样。自上世纪七八十年代开始,高速发展的香港电影开始影响东南亚华语圈、中国台湾、韩国、中国大陆等地。偶尔还会有一些片子冲出亚洲,进军欧美市场。韩剧《请回答1988》的第一集,五位主角聚在一起,收看的正是当时流行的枪战类型片《纵横四海》(1991)。“枪战片”是导演吴宇森所长,他被奉为“暴力美学”的大师,最经典的画面自然是在《喋血双雄》(1989)里,周润发教堂枪战,四周蹿起白鸽。吴宇森之后,黑帮英雄片成为电影潮流。这是香港电影的特点,受到市场驱动,商人逐利而行,一部片子的成功,决定了接下来一定会有续集、再续。各类模仿也会在一段时间成功收获票房。直到观众厌倦,倒尽胃口。因而,香港流行什么,内地的观众就在看什么。香港永远是活在电影里的香港。武侠复兴带着香港电影进军欧美的,竟然是融合了中国传统文化的武侠片。新派武侠片的开山鼻祖,不得不提及三位大导演:胡金铨、张彻、李翰祥。张彻出生于1923年,原名张易杨,祖籍浙江青田,在上海长大。因而,张彻在拍摄电影时,并非完全的“港派”思想,譬如完全模仿好莱坞流行。“海外千万华人,到现在,除了中年以上的人,犹有‘故国衣冠’之思,年轻一代,根本不知‘故国衣冠’为何物!有之,只是在电影中看到。——海外青年爱看武侠片,我们国产电影,若能把握这一机缘,不但可使海外青年,不忘‘故国衣冠’,而且能借此潜移默化,灌输我国固有忠孝节义道德,于不知不觉中,多知我先民之英勇壮烈事迹,而增强民族信心。”张彻把这一思想应用到了电影拍摄之中,他开创的阳刚武侠浪潮,成为了香港电影崛起的转折点。(《香港电影研究》王海洲著)譬如他的代表作《独臂刀》(1967),男主方刚几经磨难,最终习得独臂刀法,在故人危难之际,挺身而出,以德报怨,战胜了“长臂神魔”。这一人设非常符合人们对传统武林大侠的想象,一身正气,命途多舛,但凭借天资与勤奋,最终克服外在和内在的困难,突破人生瓶颈,凭一己之力,收获至尊武林地位。有记载称,《独臂刀》成为了香港第一部票房破百万的电影。电影成功,比张彻还兴奋的,可能是本片的老板,邵氏兄弟电影公司的老板邵逸夫。前文提到,他在1958年返回香港,开始自己在香港的电影事业,集中火力对抗在香港的另一家电影制片公司“电懋”(国际电影懋业有限公司)。邵逸夫出生于1907年,于2014年辞世。他在家排行老六,还在念中学时,就加入了长兄在上海的电影公司天一,并负责海外发行事宜。后受战争影响,公司业务一度受到重创。待战争结束,邵氏电影业务才重回正轨。回港后,邵逸夫重金新建邵氏影城,据张彻回忆,当时邵逸夫手上,拿着汇丰银行无限投额支书。正是在邵逸夫手下,邵氏电影以阳刚武侠打入市场,《独臂刀》后,又有了《金燕子》《大醉侠》《龙门客栈》等。辉煌时期,三大新派武侠导演,同时供职于邵氏电影。与张彻不同,胡金铨(1932-1997)出身北京京剧科班“富连成”,将舞台化的武打动作,改良为节奏更快的电影动作,他在1967年离开邵氏,赴台发展,后来,一部《侠女》让他获得了第二十八届戛纳影展最高技术委员会大奖,《山中传奇》助他成功拿下金马奖最佳导演奖。李翰祥则是二进宫。不堪邵氏压迫,李翰祥在1964年受对手“电懋”撺掇,离开邵氏,前往台湾组建国联(国联影业有限公司)。但因经营不善,又在1971年向邵氏求和,请求回到香港发展。重返邵氏后,为了证明自己的商业能力,也为了报答邵逸夫的收留,李翰祥开始主动拍摄风月片与喜剧片。后人对他此举颇不理解,评价也不高,毕竟这是一个曾经获得金马奖最佳故事片导演的能人。后据他本人回忆:“我拍的那些喜剧呀,风月片呀,完全是为了卖钱。”(《香港电影演绎》魏君子著)在引入电影三级制度以前,香港某一些古装情色电影被统称为“风月片”。女演员接拍需要勇气,导演改弦易帜也并不容易。比如同时期的台湾导演牟敦芾,受邵逸夫之命接拍“风月片”,其未婚妻——台湾第一美女胡茵梦得知后,毅然悔婚。当然,后来人多认为,这是胡茵梦找出来的“借口”。李翰祥的状态可能是当时很多电影人都要面对的两难选择。公司青睐于可以迅速挣钱的片子,而导演常常怀揣着野心。以挣钱为目标的公司,没有足够的耐心和成本让导演们尝试新的电影风格。邵逸夫的电影江湖从来就不曾太平过。1970年,邵氏手下重臣邹文怀出走,并带走何冠昌等强将,成立嘉禾公司。何冠昌与后辈的联系紧密,也是著名歌手、演员梅艳芳与成龙的干爹。嘉禾与邵氏相比,并未有太多的优势,但好在老板邹文怀眼光毒辣,在1970重金谈下李小龙,先后推出以李小龙为主演的功夫片《唐山大兄》《精武门》《猛龙过江》,每一部都屡破票房纪录。最终,嘉禾在70年代成长为,唯一可以与邵氏对抗的电影公司。老对手“电懋”的消失,则让人颇感意外。1964年,老板陆运涛在台北乘坐飞机失事,包括陆运涛及其新婚妻子、行政人员等电懋高层在内的57人全部罹难,“电懋”不再是电懋,邵氏还是邵氏。新浪潮的胜利当一个东西成为流行时,那它距离过时就已经不远了。张彻、胡金铨为代表,改良的新武侠电影,在进入80年代后,尽显疲态。艺术创作的魅力就在于此,标准是不恒定的。进入上世纪80年代,香港经济发展迅速,本地市民开始有了新的精神追求。一大批80、90后更为熟悉的电影人也正式进入大众视野。很多人可能不知道,邵氏以及电懋等老牌电影制作公司,主要拍摄的是“国语”电影,便于电影辐射更广阔的华语圈。但随着香港本土文化的形成以及香港本土意识的觉醒,粤语开始成为主流,“香港人”也成为了电影导演的关注对象。比如导演许鞍华在1979年推出的《疯劫》,电影以真实案件为基础,配合以电影镜头的运用,画面的调度,改编为了一部在当时非常新颖的惊悚片。《疯劫》也被视作香港新浪潮电影的代表作。许鞍华出生于内地,但她的教育是在香港完成的。她在接受采访的时候就曾经说过,“本地味道越浓厚,生活感就越突出,就更能感染人。”从《天水围的日与夜》到后期的《桃姐》,都是许鞍华对香港本土人物的观察。如何拍电影,拍什么样的电影,体现出了香港人对自我身份的认知。邵氏时期,大部分在香港发展的导演,更多受到内地传统文化的影响,也多生长于上海。战争爆发后,很多人从上海移民到了香港。进入80年代,香港本土影人面临的问题是,如何表达香港本身?不是英国的,也不仅仅是传统的。梅艳芳主演的《胭脂扣》,张曼玉主演的《阮玲玉》以及更后期的《无间道》,都被视作香港电影人对身份问题的探讨。《胭脂扣》中,梅艳芳饰演的名妓如花回到了1934年,张国荣扮演的陈振邦是南北行海味店的太子爷,俩人于风月场所中相识,后开始热恋,但身份的差距,让俩人无法走到一起,最后相约殉情。但陈振邦并未殉情成功,他失去了殉情的勇气,结婚后,潦倒生活。如花以“魂魄”的形式,目睹了这一幕。这是前香港与后香港时代的相遇。《阮玲玉》中,开篇就是张曼玉个人的采访,剧情与采访穿插,老一辈电影人与新一代电影人之间,既有重合也有传承。《无间道》更为明显,无论是警方卧底陈永仁还是黑道卧底刘建明,都在追求身份的“单一性”。得益于本土意识的觉醒,吴宇森、徐克、刘伟强、关锦鹏、尔冬升、杜琪峰、陈可辛、林岭东等为代表的“新浪潮”导演崛起,他们突破了题材与拍摄手法的限制,成为了香港电影黄金时代最宝贵的电影人。演员百花齐放时代造人。80年代的香港,名导名演员遍地。但即便如此,演员还是不够用。人人都想争夺最红的演员,且只要配上知名演员,影片的投资立刻有了保证。梅艳芳最早并不是演员。1982年,19岁的梅艳芳参加了香港无线电视以及华星唱片合办的第一界新秀歌唱大赛,并最终胜出,就此出道。关锦鹏在采访时回忆,“拍《胭脂扣》时,原著作者李碧华也觉得她百分之百最适合演如花,尽管开始设定演员的组合一直在变———中间考虑过刘德华、钟楚红、郑少秋,到最后我定下张国荣演陈十二少,大家就是不愿意改掉梅艳芳。她也表示很喜欢那个角色。”《胭脂扣》拍摄结束后,关锦鹏、梅艳芳、张国荣成为了好友。甚至后来的《阮玲玉》,关锦鹏也说是为梅艳芳量身定制的。但梅艳芳并未接拍《阮玲玉》。张国荣比梅艳芳大7岁,但两人先后在2003年去世。他和梅艳芳的经历相仿,都是先唱后演,到90年代,张国荣退出乐坛专注电影事业。不管是程蝶衣还是何宝荣,张国荣在演出时,都有特殊的张氏气质,他的演出不能用“像”来形容,而是他本身就“是”。现实生活中,他也是性别议题上的先锋者。既为先锋,则注定要承受其中的痛苦。永葆青春的唯一方式就是在年轻的时候死去。和张国荣搭档《阿飞正传》(1990)的时候,张曼玉还未出演《阮玲玉》(1991)。张曼玉出道早期被媒体称为“花瓶”,因多出演单纯而美貌的女性角色,并无太多演技上的挑战。在《阮玲玉》的片前采访中,导演提到阮玲玉的经历,张曼玉当下的回答就是:那不是就跟我很像?张曼玉的前辈,“老演员”阮玲玉一生极其短暂,事业上获得了极高的关注,经历过从花瓶转型实力派的时期,但个人感情之路并不顺畅,当时的舆论对她的私生活投去了过多的关注。一直到她25岁,终于,留下:人言可畏,我何罪之有?后吞下安眠药,离开人世。《阮玲玉》播出后,张曼玉拿到了第42届柏林国际电影节最佳女演员,并再次拿到金马奖、金像奖最佳女主角。八九十年代的香港,有好的剧本,也有好的导演,同时也就挑选出了一批好的演员。很多演员身上都有摘不掉的标签。比如周润发和枪战片,周星驰和无厘头,成龙和功夫片。他们是香港电影流行文化的缔造者。周润发、周星驰、成龙三人被业内称为“双周一成”,因为自身的商业价值高,各有所长。优秀的演员太多,受限于本文篇幅,并不能一一提及。时代和人的关系很微妙,这群人成就了时代,时代也成就了他们。随着香港黄金时代的过去,台湾、大陆的本土演员也在成长,失去好剧本的香港演员们,代际成长没有跟上,终究再难看到当年的盛况。大陆的大花们也在成长。2009年,高群书的《风声》启用了清一色的大陆演员,这是第一部以大陆演员为主的商业大片,李冰冰凭此片拿到了金马奖最佳女主角。引入台资 烂片泛滥危机潜伏于黄金时代。很多人以1997年为分水岭,并以回归前后,来界定香港电影的发展态势。但许鞍华不这么认为:对香港电影来说,1993年才是真正的分水岭。1993年之前,香港市场一年可以拍到二、三百部电影,而且票房很高,在台湾地区、韩国乃至东南亚都很有市场。可是到了1993年,美国电影《侏罗纪公园》等大片的上映,反响很好,给香港电影带来冲击;台湾片商也不再像以前那样买片花,很多电影拿不到定金,开不了机;加上香港电影质量也出现一些瑕疵等原因,这之后香港电影开始走下坡路。(《导演许鞍华:我与香港七十年》新华社)80年代后,香港电影有了国际影响力,自然不缺投资,尤其是来自台湾的投资商。90年代初期,台湾投资商看中了香港电影市场的巨额利润,慷慨解囊,只要香港影人能够拿出大概的故事提纲,再辅以相应的香港影星,就能直接拿到上百万的投资。这倒是很像早两年的创业潮。成果不重要,前期的大饼更重要。数据显示,在台资的助推下,香港电影年产量一路猛增。有数据显示,1988年香港上映影片数量为120部,到1992年上映数量增加到165部,1993年首次出现下跌,回落到了153部,与许鞍华观察到的现象一致。市场是有限的,特别是重量不重质的香港电影,边拍边写剧本的例子,比比皆是。吴宇森在2014年公开说过,“我们几乎要拍什么就拍什么。我有好几部戏根本没有剧本,一面拍一面写。 《英雄本色》只是有一个故事大纲,然后凭感觉、感情拍出来。拍《喋血双雄》也没有剧本,也是边写边拍。因为大家互相信任,这种信任来自投资方、来自观众,也来自片商,他们对我们有足够的信任与喜爱,所以我们工作自由度非常大。 ”王家卫也在台资富裕的时期,拿到过投资。徐克拍摄的《笑傲江湖之东方不败》火了以后,王家卫搞出了剧本《东邪西毒》,并配上了比《阿飞正传》还要豪华的明星阵容,包括张国荣、林青霞、梁朝伟、张学友、张曼玉等等。但王家卫依然是王家卫,电影是不可能充满赶制的。拖拖拉拉半天,刘镇伟探班的时候发现,这戏根本不可能按照原先承诺的档期交付。为了避免王家卫惹上台商的麻烦,刘镇伟用一个月的时间拍摄出了《东成西就》,还在贺岁档成功收割了一波票房。类似《东城西就》的作品很多,香港电影里有个专门的名词叫“七日鲜”,形容一部电影的的制作周期极短。1986年《英雄本色》大火以后,徐克、吴宇森立即就拿出了《英雄本色续集》。黑帮英雄片成为追捧的流行,向华强创办的永盛电影公司,也拿出了《英雄好汉》。导演王晶更是深谙香港电影市场的规律。他被视作“七日鲜”的代表人物。“七日鲜”的正面意味着勤奋,负面则意味着粗制滥造。和同样追求工业化的好莱坞相比,香港电影的“工业化”是半残状态,速度很快,但最终只是被金钱裹挟,一点一点丢失掉原来的优势。再难辉煌 风骨仍在历史总是惊人的相似。香港电影圈出现的很多东西,也常常会在大陆影视圈看到重现。典型如粗制滥造,演员轧戏。刘嘉玲来内地拍出了《阿修罗》,梁朝伟也弄出一部《欧洲攻略》,脱离了香港圈的香港演员们,相继扑在内地剧本上。反观香港本土电影,反而低调了很多,缺少资本关注的香港电影,每年依然可以贡献不少优秀的作品。1981年起创立的香港电影金像奖,如今还是两岸三地最有影响力的奖项之一。只是奖项上,出现了更多内地电影人的身影,竞争不再局限于一个区域内部。电影投资人叶泽锟说,“虽然香港电影这几年产量少了,但是你不认为质量都是有史以来最好的么?《我要成名》虽然用了霍思燕,但是谁能说它不是香港电影?再比如尔冬升的《门徒》、谭家明的《父子》。”(《回归10年的香港电影》三联生活周刊 2010年)香港电影很难再回到八九十年代,或者说整个华语圈的电影,都很难再创当年的佳绩。换个角度看,少了粗制滥造的机会,香港电影人反而有可能把精力放到提升电影的品质上。现在还能拍出《踏血寻梅》《明月几时有》《树大招风》《黄金时代》的香港电影圈,依然值得敬佩。只是,黄金时代过后,香港电影为后人,留下了太多的教训。资料参考:1、香港电影演绎,魏君子,20102、香港电影研究,王海洲,20103、别来无恙,安宕宕等,20174、香港电影为什么会衰落?一位老电影人终于说清楚了,每日经济新闻,20175、吴宇森揭秘《英雄本色》拍摄:没剧本 靠感觉拍,辽宁日报,20145、“热闹中的孤寂” 关锦鹏追忆梅艳芳,人民网,20046、回归10年的香港电影,马戎戎,三联生活周刊,20077、许鞍华的黄金时代:拍香港故事 留住本地情,大公报,20188、经常说的港片、港味,到底什么是「港味」?,庄文强知乎,2019【本文首发于刺猬公社微信公众号(ID:ciweigongshe),未经允许禁止转载】
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    青年电影人“我的电影观念”第100期出品:良介文化策划:世界电影节申报服务平台监制:萧十一郎主编:草头青年责编:AMOJOR采访:Sunrise嘉宾:应婕晓
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